CharlyBarny

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El hombre que conocía el infinito

13/10/16

EL HOMBRE QUE CONOCIA EL INFINITO de Mat. CIENCIA VS. ILUMINACION
Técnicamente una biopic, en realidad un melodrama, trata de la vida del matemático hindú Srinivasa Ramanujan, nacido en 1887 en Madrás, India en 1887 y muerto en el mismo lugar 33 años después como consecuencia de una tuberculosis contraída durante su estadía en Inglaterra donde residió entre 1916 y 1920, más precisamente en el Trinity College en Cambridge, alcanzando el título de "Miembro" de esa Universidad .
Ramanujan desarrolló su vida y sus estudios en medio de una gran pobreza material. Hizo sus progresos matemáticos en la India y logró atraer el interés del matemático británico G. H. Hardy, sin tener antecedentes catedráticos ni laborales, quien lo invito a Cambridge a mostrar sus papers y teoremas. El film transcurre durante su estadía en ese lugar que coincide temporalmente con los años de la Primera Guerra Mundial. Sus contribuciones matemáticas se concentran en la teoría de los números, las series y las fracciones continuas.
Basada en el libro de Robert Knigel, y protagonizada por Dev Patel como Ramanujan, Jeremy Irons como G.H. Hardy, y Toby Jones como Mr. Littlewood, el film muestra la vida de un hombre enfermo que transita su existencia como a traves de una luz casi divina que le dicta conclusiones matemáticas de alta complejidad. Casado sin hijos, lleva una vida casi monacal. Tocado por la varita mágica, aparece en su vida un mesías hindú que, no solo le dará un trabajo contable para que pueda ganar su sustento básico sino que también logra patrocinarlo llamando la atención de un importante matemático inglés de aquella época como era el Dr. Hardy. En Cambridge se interesan por sus papers, y lo invitan a participar de sus claustros para probar sus teorías. Llega a Londres sin siquiera haber obtenido un título en una universidad de la India.
La dificultad de la pelicula radica en que le es difícil establecer el nudo de su conflicto dramático. Por un lado, relata el drama de una vida, un hombre enfermo y pobre que posee un don muy especial que le da un conocimiento de orden superior, y por otro, la discusión que se establece acerca de la obra de ese hombre, la cual expresa una importante serie de conclusiones sin establecer ninguna hipótesis ni desarrollo. El desbalance se produce toda vez que, de la extensión de la pelicula, tres cuartas partes de la misma transcurre en Cambridge, por lo tanto, concentra el conflicto en los requerimientos matemáticos que los catedráticos de ese Colegio le exigen al ignoto Ramanujan demostrar sus conclusiones.
Ramanujan es una personalidad que, en el fondo de sí mismo y pese al desarrollo científico que aporta, pone en discusión el conflicto entre religión y conocimiento científico. Ramanujan es un hombre de fe, un hinduista, que siente que sus conclusiones matemáticas son producto de una iluminación de carácter divino. En su llegada a Cambridge, el primer cuestionamiento que encontrará será la necesidad de fundamentar y demostrar esas conclusiones. Posiblemente como consecuencia de no haber finalizado su preparación académica, esa dificultad se le exacerba. Pero el film, en lugar de concentrarse en este objetivo, el cual obviamente es difícil de trasladar en imágenes, se focaliza en aspectos secundarios tales como el bombardeo de Londres, los prejuicios y la discriminación a los extranjeros, y particularmente a los hindúes que se muestran reacios a la adopción de las tradiciones británicas, y finalmente, a la enfermedad que mina el cuerpo del matemático hindú.
El director Mathew Brown dirige el film haciendo denodados esfuerzos por lograr el equilibrio de las formas y hacer creíble este cuasi cuento de hadas. Como ya lo anticipé, no lo consigue. No obstante ello, logra una cierta proeza: hacer una película interesante y sobre todo, entretenida, más cercana a un film de la televisión británica que a una obra profunda y cuestionadora de la dicotomía entre la fe y la ciencia, pero que logra mantenerse en pie, sobretodo en función de ese desafío que se le plantea a Ramanujan que implica que no basta con tener razón sino que la misma requiere ser fundamentada. Obviamente, contribuyen con estos logros las actuaciones de los dos actores principales, ambos muy creíbles en sus papeles. Estoy hablando, especialmente, de Jeremy Irons, quien asume el papel del Dr. Harris, aquel inglés que cree en la verdad de Ramanujan y lo incita y empuja a formular y demostrar sus teoremas, y al propio Dev Patel, el muchacho de la múltiple ganadora del Oscar 2008 "Slumdug Millionaire", que da vida muy convincentemente a Srinivasa Ramanujan.

De tal padre, tal hijo

05/10/16

DE TAL PADRE, TAL HIJO de Hirokazu Kore-. Un nuevo notable film de Kore_Eda, ganador del premio mayor de Cannes 2013 (en 1998 había ganado nuestro BAFICI por "After Life"), que vuelve a exponer sobre la modificación de las relaciones familiares después de que alguno de sus miembros, o todos como en este caso, sufren hechos traumáticos que modifican abruptamente sus vidas. En este caso, los protagonistas son dos parejas de padres que se ven consternados ante la noticia que los hijos que están criando no son suyos debido a un error administrativo del hospital en el que nacieron. Las consecuencia de ello, no solo afecta a dichos padres sino a la familia toda. El film de Kore-Eda es de un compendio de delicadeza donde, como siempre en él, lo afectivo y lo racional encuentran un equilibrio en el cual relaciones afectivas y decisiones racionales logran compatibilizar sin herir los sentimientos ni llegar a transgredir las leyes humanas.
Film inteligente, narrado con ritmo sostenido, bien actuado, describe el ir y venir de esas dos familias disimiles tanto en sus personalidades como en sus niveles económicos y educativos, pero siempre dispuestas a encontrar una solución que no afecte las relaciones establecidas. El film nos habla de la importancia del dialogo, del saber escuchar, del encuentro, de la conciliación, del pensar en el otro, del solucionar sin dividir, de crecer como persona y asumir responsabilidad. Una maravilla.

El aura

01/10/16

EL AURA de Fabían Bielinski. EL AURA de Fabián Bielinski
EL MISTERIO DE LO INSONDABLE
En abril pasado corrió el último BAFICI en Buenos Aires. En él ocurrieron dos hechos muy destacados. Por una lado, nos visitó nada menos que Peter Bogdanovich, periodista y cineasta de larga trayectoria que dio una interesante conferencia en el Centro Cultural de Recoleta, y se le brindó un homenaje a Fabián Bielinski, del que participó la mayor parte de su familia y todos aquellos que lo hemos admirado. Fabían filmó tan sólo solo 2 películas en su vida, pero su trayectoria en el cine fue mucho más larga porque durante años fue ayudante de dirección, tarea que lo llevó a aprender el oficio.
En el año 2000 estrenó su primer largo: "9 Reinas", un film "callejero" que relataba la vida de dos timadores, estelarizada por Ricardo Darín y Gastón Pauls. El film fue un suceso descomunal de público y Bielinski se graduó de director de cine con mayúsculas en su primer largo.
Pero tuvimos que esperar 5 años para que conociéramos su segundo, y último film: El Aura, otra vez con Darín en la actuación, también con guión propio del director.
El Aura es un film inasible, un film etéreo que parece ser irretenible, tan complejo en su estructura que lo podemos ver varias veces y otras tanta veces quedarnos con la intriga de algo insondable, algo que solo ocurre con las obras maestras. La repetición de su visión nos deja una y otra vez sumergidos en su misterio. Filmada en los bosques cordilleranos, en el clima frio de la alta montaña, narra una historia policial, la vida de un taxidermista, callado, introvertido, casi un testigo de la vida, que sufre de ataques de epilepsia . Pero qué es "El aura? El aura es ese momento previo al ataque que sufren los epiléticos, ese instante en el que se confunde lo real con el ensueño, en el que se crispan los sentidos antes de sucumbir a una crisis.
Esteban (Ricardo Darín, inigualable) es el epilético que parece vivir en un aura permanente. un ser pusilánime que lleva una vida mediocre, tiene un trabajo artesanal que apenas le da para comer, y una mujer que ya no lo quiere, y se va de su lado dejándole una carta diciéndole adiós. Tiene también algunas fantasías, como planear un asalto perfecto, y un amigo con el que suele ir de caza.
El aura es un filme de género, que combina elementos del thriller y del drama. Su acción es más psicológica que física. La introspección que el personaje hace de sus actitudes, la decisión de meterse de lleno en el crimen cuestiona su ética, su comportamiento moral y su inteligencia, convirtiéndolo en alguien despreciable y ambiguo. Esteban es un cínico que es bueno investigando. Antes de que vaya a sufrir un ataque de epilepsia le viene un zumbido. No sabemos qué pasa con él, nada de lo que pasa por su cabeza en esos momentos. Es también un simulador, un personaje con características excepcionales. L a accidental complicación de ese personaje en esa trama abre el film a lo inesperado. Eso da lugar a que «El aura» sea una película oscura, atractiva, insinuante, una pelicula que nos abre interrogantes pero nos deja pendiente de respuestas. Es en esa densidad de la propuesta donde está la maravilla de su desarrollo. Un film que no parece agotarse en si mismo. Una película en la que un perro es tan solo quien es capaz de tener contacto con el personaje. El resto, un misterio inagotable. Una maravilla.

Los siete magníficos cine

29/09/16

LOS SIETE MAGNIFICOS de Antoine Fuqua. LAS BASES CONSTITUCIONALES
Antoine Fuqua es un director es un director de raza negra que se ha caracterizado por hacer cine de acción, paseándose por distintos géneros: desde el policial común (Training Day, 2004) a películas históricas (Rey Arturo, 2006), pasando por el suspenso (El Ejecutor, 2014), o el drama de boxeo (Southpaw (2015). Pero Fuqua siempre se ha ingeniado para que después de una vorágine de acción aparezca un momento de relax donde el espectador reflexione sobre lo que acaba de ver y encuentre que ese mix de acción y suspenso puede dar lugar a una conclusión. Por otra parte, ha contado en varias oportunidades con Denzel Washington en la actuación. En este oportunidad, como en las anteriores, la dupla Fuqua / Washington vuelve a funcionar.
Cómo llegamos a esta nueva versión de Los 7 Magníficos? En los ´60, cuando los maestros Ford y Hawks comienzan a filmar sus últimas obras y el western parece condenado a desaparecer , la Mirisch Corporation, una sociedad cinematográfica tributaria de la mítica United Artist, de entre cuyos fundadores estaba el mismisimo Chales Chaplin, logra un éxito descomunal de la mano del western cuando en 1960 presenta "Los 7 Magníficos", de John Sturges, una película con un cast inolvidable encabezado por Yul Brinner, Eli Wallach y Steve Mc Queen. La pelicula era buena, pero sin lugar a dudas que lo que la catapultó a la fama fue su música, una balada de Elmer Berstein que se popularizó hasta la eternidad en las propagandas de cigarrillos de la marca Marlboro. Dicho éxito, dio lugar a una saga. A esa pelicula, le siguieron 3 más , dos realizadas en los 60 y la última en el 72. Ellas fueron "El Retorno de los 7 Magníficos" (1966), dirigida por Burt Kennedy; "La furia de los 7 Magníficos" (1969), dirigida por Paul Wenkos y finalmente, "Los 7 Magníficos Cabalgan Otra Vez" (1972), dirigida por George Mc Cowan. El éxito había sido exprimido hasta sus últimas consecuencias.
El western es un género fundacional. Bajo sus reglas, el cine americano nos ha contado su historia, desde su nacimiento hasta que la civilización arrasó con el lejano oeste y la modernidad creo las enormes ciudades que hoy lo habitan. Es un género que con el transcurso del tiempo, ha cambiado sus formas. Ha pasado del clasicismo de Ford a Hawks, en el que habitualmente se contó la historia de la raíces americanas hasta la pacificación con las tribus guerreras, hacia un cine más moderno, expresado por dirctores tales como Roy Hil (Butch Cassidy) o Sam Packimpah (La Pandilla Salvaje, Pat Garret and Billy The Kid) en cuyos temas dejaron atrás la historia para enfocarse en las leyendas históricas y populares (los hermanos James, Doc Hollyday, entre otros), hasta arribar a un film final y casi lapidario del genero que realizó Clint Eastwood en los 90 y que se llamó "Los imperdonables", con el cual parecen terminar , no solo con las leyendas sino también, el género en sí mismo.
No obstante, el western no está muerto. De tiempo en tiempo, aparece alguna que otra joya que lo resucita. "El Asesinato de Jesse James…., 2007" de Andrew Dominik; la extraordinaria "Appalosa, 2008" de Ed Harris; la notable remake de "True Grit, 2010" de los Hermanos Coen; "Django Desencadenado, 2012" de Quentin Tarantino, son algunas muestras de ello. Y no lo está porque en su esencia subyacen temas que son esenciales a la vida del hombre: El imperio de la ley, el otorgamiento de derechos y garantías, los anhelos de propiedad y las luchas que se han llevado a cabo por ello hasta conseguir que esos esfuerzos se transformen en derechos fundacionales de la constitución de un país.
Esta nueva versión de "Los 7 Magníficos" hace hincapié en ello, concretamente, en el derecho de la propiedad como bien fundacional de una sociedad. Un derecho que se establece aún antes de la creación de un Estado, porque este último no es más que una nación jurídicamente organizada. Las guerras entre indios y colonos también han sido por ello. Asimismo, lo será la pequeña batalla que se librará entre los colonos y la compañía minera que pretende quedase con sus tierras en la nueva versión de "Los 7 Magníficos". Por eso los Estados unidos lo garantizan en su Constitución. La ley respeta al propietario. Estamos hablando de una idea que se forja en la Antigua Roma, cuna de los derechos del hombre y del ciudadano.
El aggiornamiento por parte de Antoine Fuqua, productor y director de "Los Siete Magníficos" tiene que ver con esa idea. El conflicto básico de esta nueva versión radica en que una empresa minera pretende comprar por un puñado de dólares las tierras adyacente a una mina en explotación. Los colonos se oponen a vender y como consecuencia de ello, se inicia un conflicto. El conflicto no irá por el camino de la justicia. En aquella época, aun no había leyes. Imperaba la ley del más fuerte. Consecuencia, se irá a una pequeña guerra, asumiéndose que como en toda guerra, el resultado será cruento. Pero si se gana, al menos será restablecido el derecho natural, aquel que dice que la tierra es de quien la ha conquistado, que en tiempos de paz, es quien la trabaja.
Antoine Fuqua dirigió con mano segura un film que le viene como anillo al dedo, logrando una pelicula entretenida e interesante, donde los valores humanos son puestos en un primer plano: La dignidad, el respeto, la amistad, el heroísmo, la generosidad, la prevalencia del Bien Social sobre el Interés Particular. Está basada, al igual que la saga que la precedió en los ´60, en un clásico del cine japonés de los años 50: "Los 7 Samurais, 1954", de Akira Kurosawa. En esta oportunidad, el guión, sólido por cierto, que siguió los lineamientos generales de su antecesora aunque con un cambio en la localización de los acontecimientos y del nudo del problema, estuvo a cargo de Richard Wenk (16 Calles, 2006), (The Equalizer, 2014) y Nic Pizzolatto, un escritor que proviene de la TV con dos éxitos importantes e inolvidables: La adaptación de "The Killing" y " True Detective". Contó, además, con un grupo actoral de primera línea encabezado por Denzel Washington como Chilson, un pistolero errante que hará suyo el desafío y buscará por los campos de Luisiana los socios para la empresa. Ellos serán Ethan Hawke, Chris Pratt, Vincent D´Onofrio, Haley Bennet y Peter Sasgard. Todos muy bien en sus papeles.
En síntesis, un buen film de Fuqua, obviamente heredero de un clásico western de la historia del cine, que si bien deja satisfecho al espectador, por otro lado, pide más de un director ya maduro como Fuqua, capaz de haber demostrado habilidades cinematográficas superiores en films más personales como "The Executioner".

Jason bourne

26/09/16

JASON BOURNE de Paul Greengrass. EL FIN DE LA INTIMIDAD
Jason Bourne nace de la pluma del afamado escritor americano Robert Ludlum (1927-2001), muy bien conocido por sus novelas de espionaje, muchas de la cuales fueron llevadas al cine con gran suceso: "The Osterman Weekend", dirigida nada menos que por Sam Peckimpah, "Holcroft Covenant", dirigida por John Frankenheimer, fueron algunos de sus éxitos cinematográficos. Pero Bourne, un personaje que da lugar a una serie de novelas, nace en los últimos años de la vida del autor, y ve la luz cinematográfica solo después de la muerte. Paradójicamente, Ludlum nunca pudo imaginar el éxito que tendría la saga en el cine. Su personaje, hijo de un agente de la CIA, sufre memoria traumática y desconoce su identidad. Ha sido entrenado para matar y sobrevivir en cualquier ámbito, pero a su vez, tiene conciencia y remordimientos. Es un ser solitario que en el fondo de su alma, no es más que alguien en busca de su padre.
En 2002, la pareja de productores americanos Frank Marshall y Kathleen Kennedy deciden comprar para Universal Pictures los derechos de las tres novelas que Ludlum había escrito sobre Bourne, y contratan a Doug Liman, un especialista en cine de acción, para que dirija la primera de esas novelas (The Bourne Identity). Liman realiza un trabaja sumamente artesanal y el film, si bien entretenido, no reporta el éxito esperado.
No obstante ello, en 2004, la dupla Marshall/Kennedy decide redoblar la apuesta, y para la segunda novela (The Bourne Supremacy) contratan a un nuevo director, el inglés Paul Greengrass, quien asume la dirección de la serie y la transforma en un éxito cinematográfico inesperado, que prácticamente coloca a su protagonista, el actor Matt Damon, al borde del estrellato. Alentado por este éxito, Greengrass, un director graduado en Cambridge, proveniente de la televisión británica y del cine documental, pero dotado de una notable experiencia, revitaliza la serie, da mayor cuerpo dramático al personaje y logra una pelicula de acción que pone a "Bourne" en la historia del cine de acción y del subgénero de espionaje. Pero habría que esperar hasta el tercer capítulo para encontrar la obra maestra del género: "The Bourne Ultimátum" (2007), donde Greengrass realmente no solo maneja, entiende al personaje sino que transforma la pelicula en un masterpiece de suspenso, generando 4 escenas de persecuciones realmente antológicas que terminarán haciendo escuela en la historia del cine de acción. El secreto de Greengrass fue que cada escena de acción estuviera orientada hacia una clave. La acción estaba dominada por la persecución. Y esa persecución esta signada por el suspenso. Cuando el personaje llegaba a un objetivo, develaba algo critico de la historia, y la continuación estaba dada por la persecución de una nueva clave. A mi modo de ver, el mejor ejemplo de ello es la persecución de Bourne en Londres cuando llega a Victoria Station.
En la cuarta película de la serie, ocurren dos cosas: 1) Ya no hay más novelas que filmar. En consecuencia, se arma un guión en base al personaje original. 2) Damon se niega a un cambio de director. No obstante ello, la dupla Marshall/Kennedy sigue adelante y contratan a Tony Gilroy para escribir el guión y dirigir la pelicula, y a Jeremy Renner para asumir a un nuevo agente de la misma camada de Borne. El film resulta correcto y da crédito para seguir la serie.
El año pasado, Marshall/Kennedy vuelven a la carga y convencen a Greengrass para que regrese al proyecto. Ya no están ni las bases literarias de Ludlum ni los guiones de Tony Gilroy. Lo hace de la mano del editor Christopher Rose, con quien ya había trabajado en otras dos excelentes películas: " Vuelo 97", sobre el ataque aéreo a las Torres Gemelas, y "Capitán Philips", sobre el secuestro por parte de terroristas islámicos de un barco mercante en las costas de Somalia. Pero esta vez, el resultado no será el mismo.
"Jason Bourne", la quinta pelicula de la serie, suena ajada, manoseada, como cosa ya vista. El personaje central ya no tiene mucho para descubrir y su orfandad ha pasado a ser más un problema de la CIA que de sí mismo. O sea, el factor dramático ha desaparecido. Bourne ahora es perseguido sin piedad durante toda la película. En consecuencia, el film todo se trasforma en una gran persecución de la cual Greengrass trata de sacar el mayor jugo posible, pero al carecer de un factor dramático que lo sostenga, el interés del film decae rápidamente.
Está claro que Greengrass no se dará por vencido fácilmente. Su obra vuelve a ser un nuevo modelo de cine de super acción porque no solo hace añicos cuanta cosa pasa por delante de su cámara, sino que en la sala de montaje, hace añicos lo filmado, remontándolo y dándole al film una velocidad inusitada, que disipa todo interés por el personaje o incluso el argumento para que el espectador se concentre y disfrute de un espectáculo puramente sensorial, basado simplemente en la acción y en sus imágenes.
Como consecuencia de ello, la problemática que plantea "Jason Bourne", es la de una CIA, y unos genios cibernéticos totalmente ocupados en desarrollar un sistema espía que puedan interiorizarse en nuestras vidas y espiarnos a través de nuestros celulares, computadoras y tablets, pasará rápidamente de lado arrollada por la acción vertiginosa que despliega Greengrass. Una verdadera pena, porque deja de lado una reflexión inexorable que al fin y al cabo plantea la película y que implica que el fin de la intimidad ha llegado. Todos podemos ser espiados. Cientos de computadores nos siguen a lo ancho y a lo largo del mundo para saber dónde estamos, quiénes somos, qué gustos tenemos, cuáles son nuestros amigos, que opinamos, a quiénes amamos, a quiénes odiamos, cuáles son nuestros hobbies, qué tipos de mujeres o de hombres nos agradan, qué tipo de comida preferimos, qué ropa usamos, qué libros leemos, qué películas vemos, dónde nos gusta vacacionar, etc.
Tal como en 1974 Francis Ford Copola nos lo preanunciaba en "La Conversación", con una visión anticipatoria asombrosa, el espía era el espiado. Ahora, nosotros, meros espectadores, seremos los espiados, nuestro derecho a la intimidad, vulnerado y el principio a nuestras libertades básicas, brutalmente avasallado.

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